他们那个时代的艺术家:韩国现当代艺术 – 从 1900 年代到 1970 年代

“他们时代的艺术家”是一个大型常设展览,展出博物馆收藏的作品,审视 1900 年代至 2000 年代 120 年间韩国现代和当代艺术的主要潮流。该展览由 15 个部分组成,描绘了约 120 年的现当代艺术史,是与各个历史时期的研究人员合作举办的。穿越不同的时代,见证艺术如何随着国情的变迁而演变,观众将能够把握艺术与社会的有机关系,以及不同艺术媒介的周期性发展。韩国艺术家表现出了不屈的艺术意识,努力将历史的磨难升华为代表时代精神的作品。我们希望通过这次展览能够成为观众开阔视野的机会,了解韩国艺术和历史。

  • 标题: Mountain (Soil)
  • 创作者: Yoo Youngkuk
  • 创作日期: 1959
  • 实际尺寸: 130.6 x 194 cm
  • 权利: ⓒYoo Youngkuk Art Foundation
  • 材质: Oil on Canvas

20世纪上半叶的韩国艺术(1-3)

20世纪1900年代至1950年代,韩国历史经历了一段深刻的动荡时期。世纪之交,维正尺学派(“正统”,排斥异端)和开化派(“启化”)在积极吸收中日新文化方面发挥了主导作用,而这场冲突1910年,朝鲜被日本吞并,被剥夺了主权,这一切都以朝鲜的耻辱告终。在日本帝国的严厉军事统治下,大多数文化活动都停止了。 3月1日独立运动之后,进入了文化统治时代,第一次全国艺术展览在朝鲜总督的控制下举行。在日本占领期间,韩国艺术家享有“相对”更多的自由接受艺术教育和从事艺术活动的时期是1920年代至1930年代的短暂时间窗口。

  • 标题: Landscape of Rouen
  • 创作者: LEE Chongwoo
  • 创作日期: 1926
  • 创作地点: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 实际尺寸: 64×48cm
  • 权利: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 材质: Oil on canvas

李宗佑(笔名雪草,1899-1981)1917年赴日本,1923年毕业于东京美术学校西洋画系。法国。 1927年,他的作品被法国权威展览之一的“秋季沙龙”接受。回国后担任国家美术协会副会长、全国美术展审查员。此外,他还是弘益大学的教授。
李在人物画、风景画和静物画方面都很突出。早期作品以人物画为主,以西方学院派为主,1945年后多画山水画,具有南宋山水画风格。
此画为李在巴黎留学期间所画,为山水画。 法国北部塞纳河畔一座城市。建筑中色彩的运用和几何韵律的体积图案反映了保罗·塞尚( Paul Cézanne ,1839-1906)的影响。这幅作品是李氏仅存的山水画,弥足珍贵。

  • 标题: Still Life(Flowers)
  • 创作者: Lee, Jeung-soo
  • 日期: 1929
  • 实际尺寸: w53 x h65 cm
  • 出处: MMCA
  • 类型: Oil on canvas

这幅 1929 年的陶器和花卉静物画是李正洙(1906-1983)创作的。简单的构图和有些笨拙的阴影和笔触表明这幅作品是在西洋画传入韩国的早期创作的。

但在日本帝国晚期臭名昭著的军国主义之后,1945年朝鲜获得了解放,朝鲜战争爆发之前的五年是左翼和右翼政治之间激烈冲突的动荡时期。朝鲜战争的爆发是世界历史上的重大事件,开启了冷战时代。即使在这种混乱之中,许多韩国人还是选择了从事艺术事业。或许,“千辛万苦却无法放弃艺术”这样的说法并不恰当。相反,正是因为艺术,他们似乎才能够鼓起勇气和抵抗力来克服困难。本次展览的第一个画廊展示了他们的故事以及他们留下的一些无价的作品。

1. 1900 年代初期

传统艺术的转型与油画的引进

朝鲜时代,中产阶级中出现了许多职业画家,他们隶属于宫廷或为满足贵族的需要而创作作品。这种传统的艺术家血统由绘制高宗皇帝肖像的皇家画家蔡龙信 (Chae Yongsin ) 继承。同时,Chae也是一位“自由职业者”,他成立了自己的工作室来满足对艺术的新需求。传统艺术的生产方式和流通结构正在逐渐发生变化。

  • 标题: Nude
  • 创作者: SEO Jindal
  • 创作日期: 1937
  • 创作地点: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 实际尺寸: 71×51cm
  • 权利: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 材质: Oil on canvas

徐金达(笔名:道丰,1908-1947)1930年赴日本,在艺术研究中心学习绘画三年。 1940年毕业于东京美术学校。回国后,他在大邱和满洲任教,1945年日本解放后,在韩国釜山建立艺术研究中心。作品自1931年起曾七次在朝鲜美术展上获奖。
徐在东京美术学校就读期间,师从小林万吾(小林万吾,1870-1947)学习学院派和印象派,尤其表现出非凡的才华。在裸体画中。徐的艺术风格,包括笔触和色彩的运用,显示了后印象派保罗·塞尚(1839-1906)的影响。
这幅作品反映了徐对学院派和印象派的采用,描绘了拥有迷人身体的裸体女人。画面右侧的签名“所以,二徐”透露出这幅作品是他二年级时在小林班上画的。整体以棕色为主色调,明暗对比强烈。他用硬朗大胆的笔触,通过简化背景来突出女性这个主题。

与此同时,中上层阶级、学法语的高惠东是第一个前往东京学习油画的韩国人。在东京求学期间,他第一次学会了“自画像”。自画像作为艺术家自身身份的表达,从传统艺术观念的角度来看是一种外来艺术流派。人们对艺术家的地位和角色的看法发生了翻天覆地的变化。

JEON Woo、Chae Yongshin 肖像

蔡永信是活跃于朝鲜末期至日本殖民时期的肖像画家全宇肖像画的主人公全宇是魏政哲学派的代表儒家学者,在殖民时期日本遭受强行侵略时,漂流到海岛地区,奉献了自己的一生。自己在隐居生活中发展学问。他有维护理学传统的强烈意志。通过笔直的身姿和强烈的表情,他成功地给人留下了一个正直的学者的印象。

  • 标题: Portrait for JEON Woo
  • 创作者: CHAE Yongshin
  • 创作日期: 1911
  • 创作地点: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 实际尺寸: 65.8×45.5cm
  • 权利: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 材质: Color on paper

蔡容信是一位出色的画家,他画过朝鲜王朝的肖像、贵族、义军将领、高切口的女人等各种人物肖像以及记录。他继承传统肖像技法,受西方绘画和现代摄影的影响,发展出独特的肖像画风格。
该作品以工笔描绘了朝鲜末期理学家“全宇”的肖像,并使用大量的笔尖来表现不规则、透视和明暗,显示这些细节受到了西方绘画和现代摄影技术的影响。

2. 1920-1940年代

政府展览艺术与新表现形式的出现

第一次世界大战结束和三月一日独立运动之后,20 年代的艺术界经历了地形的变化。日本政府向“文化统治”体系转型,设立了朝鲜美术展,每年举办美术展览,并在媒体上进行大规模宣传。但朝鲜艺术展仍然是艺术家唯一的门户,成为许多艺术家在继续艺术生涯时衡量自己能力的标尺。规模宏大的“展览作品”被制作出来在活动中展出,所谓的“朝鲜之星艺术展”也在这一时期出现。

这一时期也出现了展现新的情感和艺术家独特风格的艺术品。就西式艺术而言,新艺术作品不仅融入了与当时的“学院派”相对应的印象派元素,还融入了野兽派、超现实主义和抽象主义的元素。绘画作为一种自由表达形式,揭示艺术家的主观性和个性,而不仅仅是一种表现物体外观的技术,这一理念将促进各种艺术形式的发展。

  • 标题: Kyesan-dong Cathedral
  • 创作者: Lee, In-sung
  • 日期: 1930s
  • 实际尺寸: w44 x h34.5 cm
  • 出处: MMCA
  • 类型: Watercolor on paper

李仁成(1912-1950)是一位通常也处理水彩画的现代艺术家。获得殖民时期日本政府举办的第六届朝鲜美术奖时,他才17岁。此后,他连续六次获得特别表彰,成为推荐艺术家,这是画家的最大荣誉。他的这幅具有代表性的不透明色彩水彩画是研究韩国现代水彩画流派的重要资料。他不执着于写实的描绘,而是以情感的感觉来表达对物体的印象。柔和色调的微妙变化让观众感到温暖。这部作品对于在日本学院派思想蒙昧移植时期以其独特的情感来解决西方画风的方法具有重要的价值。

  • 标题: Calla
  • 创作者: LEE Insung
  • 创作日期: 1932
  • 创作地点: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 实际尺寸: 38×29cm
  • 权利: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 材质: Watercolor on paper

李仁出身贫寒,年轻时就入选韩国艺术展,成为明星。马蹄莲这个标题最初的意思是花“马蹄莲”,在日本,这种花的意思是“治愈”和“康复”。在资深艺术家指导下打磨出的“水彩画”技法将展出,为观众呈现清晰清新的美感。

该作品曾在第十一届朝鲜美展中获奖。李仁成在日本学习艺术时曾展出过这幅画。当韩国在日本统治下时,他已在艺术界崭露头角。从1932年起,他连续6次获得朝鲜美术展览会特别奖。 1937年,他成为朝鲜艺术展的特邀艺术家,但于1950年在朝鲜战争期间去世。这幅早期作品是在他独特的表现风格形成时创作的。这是一幅水彩画,但又具有油画的不透明和浑浊的一面。它属于韩国皇室,但被送给一位大臣,他的一位后裔直到最近才保留它。韩国国立现代美术馆于1988年发现了这幅画。标题<kaiyou>是马蹄莲的日文名称。白色的马蹄莲是一种具有复兴意义的花,所以这幅画可以解释为对祖国解放的渴望。 花朵和花瓶的垂直设置和水平短笔触非常和谐,形成稳定的构图。

3. 1940-1950年代

解放与战后艺术

韩国于 1945 年 8 月从日本统治下解放出来。但解放的兴奋只持续了很短一段时间,新的意识形态斗争和社会冲突就达到了白热化程度。似乎是为了反映社会状况,从1945年到1950年朝鲜战争爆发这大约五年时间里,创作的艺术品数量极少。这一时期的作品既反映了对新国家的希望,也反映了对其现实的绝望。

  • 标题: Children and Fish and Crab
  • 创作者: LEE Jungsup
  • 创作日期: 1950s
  • 创作地点: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 实际尺寸: 25.8×19cm
  • 权利: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 材质: Oil on paper

这是李正燮的一幅描绘一群孩子的画作。他是一位著名的艺术家,代表牛、鸡、鱼和小孩等天真的题材。
他还展示了一个自传题材,以简单朴素的风格象征着他与妻子和孩子的生活。
这是一幅两个男孩在玩和螃蟹的画。这种题材是李正燮最喜欢的题材之一,这种风格的画作只有三幅。李正燮用简单的线条和绚丽的光色描绘出天真无邪的儿童世界。他以简单的形式和深色的线条,忽略了维度的表达,拓展了一个独特的、个性化的艺术世界。他的画让观者回想起他愉快而平静的童年,回忆起那时的微笑和幸福。

1950 年爆发的朝鲜战争加深了朝鲜半岛的分裂。虽然社会主义现实主义成为朝鲜的主要方法,但在韩国的影响是鼓励更积极地采用来自美国和欧洲的西方艺术。

4. 20世纪60年代

当代艺术的前奏:非形式

在20世纪50年代末至1960年代朝鲜战争后时期的政治和社会动荡中,韩国艺术界也在经历着变革。例如,4 月 19 日革命(1960 年)同年举办的街头展览,艺术家团体将大型抽象艺术作品悬挂在国殿举办地德寿宫的西墙和北墙上。 。它代表了一种抗议,通过举办一场向保守艺术机构提出问题的活动来吸引公众。

  • 标题: Work 1963-3
  • 创作者: KIM Bongtae
  • 创作日期: 1963
  • 创作地点: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 实际尺寸: 49×40cm
  • 权利: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 材质: Collagraph, Lithograph

金奉泰(1937-)于1963年与朴素甫、尹明路一起参加巴黎双年展,同年受邀参加纽约国际艺术协会研讨会后移居美国,毕业于洛杉矶县奥蒂斯艺术学院。 1963年至1985年,他留在洛杉矶,担任南加州韩国艺术家协会主席,并经营Gallery Scope和艺术中心,充当韩国和美国艺术家之间的桥梁。定居韩国后,当了七年教授后,他成为一名全职作家。
艺术家开始对木版画产生兴趣,因为木版画的复制不仅满足了大众的需求,而且还可以作为一种艺术形式。扩展现代艺术表达的实验媒介。 1963年,与朴素甫、尹明路、崔基元等人一起在第三届巴黎双年展上展出作品。艺术家使用平版印刷机拍摄了一张以 Collagraph 作为中间颜色的基础照片,他没有使用平版印刷机,而是拍摄了一张隐式黑色绘制的锌板照片。可以说,区别于以往版画的时代潮流,正在通过木刻版画来实现,因为这是当时年轻一代主导的一种非定形风格。

在此期间,艺术家将他们的艺术作品深化为某种时代精神,并开始参加双年展和其他国际展览,这是扩大他们对国际艺术的认识并审视韩国现状和可能性的机会。通过这些方式,这个时代的艺术呈现出与体制相对立的一面,追求与国际艺术环境相适应的变化,作为与时代精神紧密联系的形成运动。

  • 标题: Restoration B
  • 创作者: KIM Hyungdae
  • 创作日期: 2020
  • 创作地点: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 实际尺寸: 162×112cm
  • 权利: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 材质: Oil on canvas

金亨大选择了非具象艺术。选择非具象艺术而不是具象风格足以成为吸引战后一代的因素。他对深色颜料的流动着迷,相信这种对国家笔刀活力的赞叹而喷涌而出的强烈色彩,可以揭示他处境的深处,表达他的生命力。 1961年,他在以“还原B”为主题的全国展览会上获得了国家重建最高委员会奖。在这件作品中,艺术家对当时的处境和生活的热情表现得淋漓尽致,作品的多种表现方式令人印象深刻。
除了“家族”的主题之外,李还通过作品表达了他的内心世界。 “家庭”、“萌芽”、“和谐”、“流动”等各种主题,但根据当时作品的印象,李奎龙意识到自己红肿的皮肤、细细的线条和圆形图案。其流畅的下划线令人印象深刻,让我们想起生物尸检的横截面,其运动就像浮雕和生命的心脏一样,非常令人印象深刻。
金亨-dae从直接的表现主义抽象转向更加内化的精神抒情抽象。

5. 1960-1970年代

表现方式的实验

在20世纪60年代和1970年代,我们遇到了各种关于韩国艺术表现风格的实验。世界正在经历一个动荡的时期,嬉皮士和抵抗文化的狂热与国际形势的冷酷和严峻并存,越南战争就是一个例子。在独裁政治体制下,韩国在国家主导的工业化道路上奋力奔跑,制定了五年经济发展计划和新村运动。伴随着这一充满活力的时刻,还有对民主和自由的无尽渴望,正如 1960 年 4 月 19 日革命中所见。

  • 标题: Untitled
  • 创作者: Park, Hyun-ki
  • 日期: 1979
  • 实际尺寸: w260 x h120 x d260 cm
  • 出处: MMCA
  • 类型: Stone and monitor

朴贤基(1942-2000)是一位艺术家,他从 20 世纪 70 年代开始创作大型视频装置,并将水记录装置作为物品融入到他的作品中。他从一开始就始终如一地展现的是对现实与虚幻之间意识转换所带来的张力的追求。他积极地将接收器本身作为幻觉的隐喻引入到他的作品中。 《无题》(1979)是一件将作为物质的石头和作为再现它们的虚拟图像的水蒸气反复堆叠的作品,作为独特的“堆叠”作品的一部分。

在以蓝色牛仔裤和吉他为代表的青年文化背景下,通过各种表达方式的不同实验,试图突破独裁、墨守成规的社会和文化框架。可以肯定的是,在各种普遍的社会条件下,这些实验在实现牢固的长期连续性方面只能发挥有限的作用。但他们提出的关于艺术概念的更基本问题,以及将不同领域的不同元素联系在一起的尝试,可以被视为对韩国当代艺术生态系统中实现健康的“生物多样性”做出了重大贡献。

  • 标题: The Meaning of 1/24 Second
  • 创作者: KIM Kulim
  • 创作日期: 1969
  • 创作地点: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 实际尺寸: 10 minute
  • 权利: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 材质: Single-channel video, color, silent

金九林(1936-)出生于庆尚北道尚州市,20世纪60年代作为作家赴美,在纽约艺术学生联盟学校和日本东京学习版画和绘画。他领导了前卫艺术组织,并因其基于哲学思考的作品而受到高度认可。艺术家参加了巴黎圣保罗双年展,并在首尔艺术博物馆和伦敦泰特美术馆举办了新的私人展览。他是一位融合绘画、版画、雕塑、 装置等多种流派的实验艺术家,是韩国前卫艺术的先驱。作家批判性地看待历史和社会现象,并通过各种媒介进行实验。
1/24秒的意义是第四组成立前一年拍摄的实验电影。这部作品意味着每秒24次剪辑,是黑白和彩色的混合体,快速编辑并融合了三一高架路、世运商业街、摩天大楼、人行天桥、户外广告牌和纺织工厂等现代化城市。从车内。
然而, 视频中间却出现了一个城市人因无法适应高速返回的城市而四处游荡的疲惫日常活动场景(打哈欠、抽烟等)。这段视频,通过在这样一个不连续、不合逻辑的发展过程中叠加破坏和残暴、无聊和日常生活的方式再现,象征着高速生活在现代韩国工业社会的现代人的截面。

6. 20世纪70年代

在20世纪70年代的有信体制下,出台了各种文化政策,重点是复兴和重建民族传统。在这种气候下,韩国艺术开始反映出韩国的审美意识,强调与自然和精神品质的和谐。日本对韩国当代艺术表现出的兴趣成为加强韩国艺术认同的重要因素。

  • 标题: Work 63
  • 创作者: QUAC Insik
  • 创作日期: 1963
  • 创作地点: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 实际尺寸: 75×103×4.5cm
  • 权利: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 材质: Glass

QUAC Insik(1919-1988)1937年移居日本,1941年毕业于日本艺术学校,并留在东京从事作家工作。 20世纪60年代后期,他在作品中运用天然材料和工业材料来讨论1970年代日本和韩国的单色化,是一位重要的作家,甚至在日本事物逻辑全面兴起之前就对材料进行了探索。他不仅对玻璃这种奇特的材质感兴趣,还对通过在表面上添加作用来解决表面和作用的问题以及物理特性感兴趣。
该作品于1984年在东京展览会上展出, 1985年艺术家在世时收藏于国立现当代艺术博物馆,该作品的重点在于具有代表性的大块玻璃上偶然形成的裂纹。
通过刮擦和愈合来展现物质性的过程通过材料的重新拼接是现代艺术的方法之一,可以说,展现艺术家经历韩朝分裂时代痛苦的经历是一项重要的任务。

1975年,“韩国:五位艺术家,五位新塞克‘白色’”展览在东京画廊举办,接下来的十年左右,韩国艺术的展览将在日本各地举办,包括个展、群展以及主要艺术机构的展览博物馆。 “白色单色”在日本首次被提及,随着它与韩国固有的情感联系在一起,它扩展为对韩国艺术身份的讨论。这种趋势在韩国当代艺术史上占有重要地位,它与西方和日本艺术的关系一直是韩国和海外话语持续研究的主题。

  • 标题: Ecriture No.16-78-81
  • 创作者: PARK Seobo
  • 创作日期: 1981
  • 创作地点: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 实际尺寸: 130×162cm
  • 权利: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 材质: Oil and graphite on raw canvas

原画布上的油画和石墨20世纪70年代,PARK SEO-BO (1931- )开始创作“Ecriture”系列。这被称为他的“白色单色时期”。
在油干之前,将画布涂上奶油色油,并用垂直线填充绘画空间。这样创作出来的作品,按照艺术家的情感或生物节律,呈现出近乎无意识的状态,给人一种有些苍凉、透明的印象。

文字源于克己,完全拥有自然。艺术家排除了形式、结构、色彩等一切人为因素,构建了近乎未画状态的世界。用色彩和线条来完成状态,绘画和绘画成为一体。

20世纪70年代,崔秉洙反复用铅笔和圆珠笔擦除报纸,以表明他的存在是一种不公正的意义。
作者没有选择画布和颜料,而是选择了日常生活中常见的报纸和圆珠笔作为创作的主要素材。用圆珠笔在一张写满字的报纸上重复无数次后,连圆珠笔的痕迹都被铅笔擦掉,留下黑色的单色画面。报纸也类似,变薄或撕破,最终变成闪亮的黑皮。就这样,作家全神贯注地将报纸与圆珠笔融为一体。它们被吸收并相互接触而破碎,并因摩擦而发热并燃烧。通过这个过程,崔秉瑞体验了生物并训练了自己的心灵。然后报纸重生为一种高贵而纯净的物质。

  • 标题: Untitled
  • 创作者: CHOI Byungso
  • 创作日期: 2014
  • 创作地点: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 实际尺寸: 700×80×1cm
  • 权利: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 材质: Pen and pencil on newspaper

7. 1970 年代末至 80 年代

  • 标题: Reproduction of Time 87-7
  • 创作者: HAN Manyoung
  • 创作日期: 1987
  • 创作地点: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 实际尺寸: 51×90×10cm
  • 权利: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 材质: Mixed media

韩万英(1946-)作品的一贯特征是对西方绘画的经典借鉴和重构。

重新诠释的经典获得了新的含义,有时还会添加意想不到的图像。因此,从原始意义和变换意义之间的差异中提取的个性就被发现了。

韩的作品是为了“读”而不是“看”,观众可以通过作品在理智上对艺术家产生共鸣。

这部作品表明韩对古典的兴趣延伸到了韩国传统。维纳斯的头像、沙漏和男孩拉着小马驹的画面表明韩不仅试图跨越时间,而且试图跨越空间。

韩国超现实主义的特点是强调物体以超现实的方式描绘自然和人造物体。与此同时,艺术家们在画布上呈现无尽蔓延的自然景观,或者反复叠加他们的主题,产生剥夺了空间深度感的正面图像。这种图形与抽象、幻觉与平面并置的二元结构是韩国独有的特征。

  • 标题: Stone
  • 创作者: KO Younghoon
  • 创作日期: 1985
  • 创作地点: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 实际尺寸: 142×98cm
  • 权利: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 材质: Oil on paper

高英勋(1952-)从1970年代中期开始以超写实的方式描绘石头。自 20 世纪 80 年代以来,他将报纸、书籍和石头与画布联系在一起。也就是说,他开始在一张画布上把不同的事物画在一起。在这样的画布上,当通过喷雾投射阴影时,张力最大化。 1980年代末后他尝试在工作室表现静物,到了1990年代他在作品中插入照片,透露出神秘而严肃的情绪。这里的石头被精心涂上丙烯酸颜色,并放置在书架上,书架上写有英文字母,并且相互粘附,有规则地留出一些空间。 这幅画中,作者提出了模拟与现实之间的问题。

高英勋是超现实主义领域的佼佼者。斯通在 20 世纪 80 年代的杰作,将天然石材与他的图书馆的英文版相结合,表达了人类文明与自然的冲突。粘贴书页后,添加阴影来表达现实,并在顶部绘制石头碎片以创造一​​个欢迎的空间。

8. 20世纪80年代

抽象主义在 20 世纪 60 年代被引入传统艺术世界,并出现了名为 Mungnimhoe(墨林画派)的艺术团体。他们强调抽象并非西方独有,通过突出水墨的物质特性来拓展水墨的境界,同时强调文学化的精神境界。他们还创作了再现真实风景的山水风景,并试图以现代的方式重新诠释水墨。与此同时,韩化对日常生活的兴趣逐渐增强,不仅以水墨为表现媒介,而且摆脱了精神与物质、水墨与色彩的二分法。

  • 标题: Tree
  • 创作者: SONG Soonam
  • 创作日期: 1985
  • 创作地点: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 实际尺寸: 94×138cm
  • 权利: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 材质: Ink on paper

宋秀男(1938-2013)对色彩和形式有所限制,因为他认为亚洲艺术具有精神性。尽管构图简单,但色彩的深浅却揭示了深刻的含义。大笔画中的几条线条的表达是描绘一棵大树。 《 树》着眼于水墨的本质和内在。

  • 标题: Untitled
  • 创作者: KWON Youngwoo
  • 创作日期: 1985
  • 创作地点: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 实际尺寸: 224×170cm
  • 权利: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 材质: Ink and gouache ink on paper

权英宇(1926-2013)通过将韩文放在画面上,撕碎它​​们并打孔,构建了一个自我调节的结构。在这幅作品中,权将半透明的蓝灰色渗透到纸张的背面。纸张颜色饱和。在这幅画中,颜色不是附加物,而是表面本身。纸上的痕迹与表面同化,产生一种隐秘的张力。色彩因自发的明暗而显得优雅,并呈现出一个敏感而诗意的世界,创造出印迹、收缩和漂浮的图像。

9. 20世纪80年代民中运动

韩国第一个大规模的内生艺术运动,民中艺术与以往韩国艺术的不同之处在于它关注现实世界并注重内容和叙事。韩国的历史形势对民中艺术成为20世纪80年代韩国艺术的代表起到了很大的作用。当时,对军事政权压迫的抵抗(以光州民主化运动为代表)和对美国作为传统盟友的重新审视当时在整个韩国社会掀起涟漪,引发了关于民主和民族主义的更加活跃的辩论。民重艺术诞生于一种危机感和艺术不能再忽视现实的感觉。

Panoramic view of the eye view of the times

MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)2020

除此之外,对具象艺术(超现实主义)的追求作为 20 世纪 70 年代主导韩国艺术界的单色倾向的替代品而出现,在 Minjung 艺术的出现中发挥了某种中介作用,因为它对物体的精确描绘揭示了对现实的兴趣。民中艺术呈现出“与大众共享”的艺术面貌,劳工和社会运动背景下的大型壁挂以及出版物插图中使用的木刻就是例证。它采用了不同的形式,借鉴漫画、广告和其他形式的流行文化中的图像,或通过摄影和拼贴技术创造图像。

  • 标题: Vindictive Spirits
  • 创作者: OH Yoon
  • 创作日期: 1984
  • 创作地点: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 实际尺寸: 69×462cm
  • 权利: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 材质: Oil on canvas

吴润(1946-1986)是一位以现实主义为基础批判社会现实,并以民族风格继承和发展的大众艺术的领军艺术家。他工作的20世纪80年代,是军政权与资本主义制度不和的时期。在他短暂的一生中,他以木刻版画为主要媒介,记录了普通人在现实中挣扎、创造韩国社会的故事作为自己的创作语言。尤其是他对现实主义有自己的看法,但自20世纪80年代中期以来,他通过扩展,在“现实主义与神秘主义”、“怨恨与生命”、“超越与重力”之间的平衡基础上建立了自己的世界观。通过冥想、公众意识和对科学文明的排斥来发挥想象力。因此,从现实主义批判现实的角度来表达一种超验的“怨恨”情感的卷轴形式的《复仇之魂》(1984)也可以在同样的语境中进行解读。
这部以卷轴形式制作的作品虽不完整,但除了处理朝鲜战争的主要方面外,它全景式地展示了朝鲜历史和人民“汉”的悲剧。那时。特别是在东学革命、朝鲜战争、 光州民主化运动等韩国历史上的悲惨事件中被杀的人们的形象,以怨恨而死的鬼魂的形式描绘出来。这是一个非常悲惨的境遇,但作者通过描写的时间观念、微妙的色彩、心灵的体现,可以以平静而温暖的方式一睹作家的感性。

10. 20世纪80年代多元化小团体的活动


20世纪80年代,韩国社会经历了一段动荡时期。面对军政府的镇压,对民主的渴望引发了一系列民主化运动,而晚期工业社会的到来带来了经济的高速增长和日常生活的迅速变化。在这种社会氛围下,20世纪80年代的艺术界分成了两股:单色绘画和当时刚刚兴起的民仲艺术运动。 20世纪80年代初从艺术院校毕业的艺术家被迫在这两条道路之间做出选择。但那些试图避免被卷入这些主要趋势并在不拥护特定意识形态的情况下分享自己的声音的人会聚集在一起形成小团体,主要以学校为中心,在那里他们能够自由工作。他们拒绝了过去几代人的统一风格,采取了改变韩国艺术界内部结构的策略。但这些小团体只是具有相似意识的艺术家加入的例子;这些团体并不以实现任何一个明确的目标为目标。这些小团体的活动作为艺术家的一种实践形式具有重要意义,他们寻求探索自己的韩国艺术发展方向,而不是盲目地接受实时到来的西方艺术潮流。

  • 标题: Korean Dream
  • 创作者: SHIN Youngseong
  • 创作日期: 1986‒2002
  • 创作地点: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 实际尺寸: 40×31×10×(65)
  • 权利: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 材质: 65 wall mounted fans

申永成(1959-)于1985年创立了“兰芝堂”团体,此后一直以表演为主,不断发展自己的作品。他于2012年开始绘画,并自2016年开始展出他的画作。
韩国梦(1986-2002)批评资本主义,其中废弃的扇子被收集、烧毁、用锤子和电锯摧毁,并回收废弃的扇子和手表,失去了原有的功能,不仅仅是机器,而是具有人类功能的标准化机器。 20世纪80年代,一小群主张艺术的政治与社会实践运动,形成民主化运动另一个语境的人,坚持以更多的日常物品和实用的标题词来引发巨大的话语。
当时的申永成通过这种浪费对韩国社会所追求的价值观和标准提出质疑,并不断质疑作为一个作家在那个社会的意义。因此,它重新发现已经被破坏的东西并赋予新的价值,但这却颠覆了事物原本的功能和意义,然后通过再次破坏而赋予事物坦白的新面貌。通过这个过程,作者旨在恢复失去的时间和历史,并在垂死的情况下创造新的生命。
该作品曾在韩国前卫运动的釜山双年展和大邱双年展中多次展出。

11. 20世纪90年代迈向全球化的黎明

20世纪80年代末冷战时代结束,世界进入多元化时代。韩国因主办1988年首尔夏季奥运会和1993年大田世博会等大型国际活动而享有盛誉,金泳三总统上任后将“全球化”列为其政府的主要治理任务之一1993年,随着不同的全球化政策的汇集,艺术领域的国际交流也开始激增。 “去中心化”和“多元化”等问题成为双年展的关键问题,随着人们对非西方艺术家的兴趣日益浓厚,金秀子和全秀天等人物开始积极参与各种国际展览

  • 标题: The Flat 12
  • 创作者: GWON Osang
  • 创作日期: 2020
  • 创作地点: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 实际尺寸: 180×230cm
  • 权利: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 材质: Lightjet print,diasec

权五相自1998年以来一直在平面与三维、照片与雕塑之间来回穿梭,自2003年起一直在尝试平面雕塑的可能性。“除臭型”系列是关于拍摄来自平面的物体的照片。各种角度,然后将它们剪下来并制作三维物体。他把广告图像剪下来,粘在金属丝框架上,然后放在地板上。把这些简单的雕塑摆好后,我拍了照片并打印出来。因此,你最终看到的就是一个平面。它重复着三维结构→平面→三维结构→平面,这显然与一系列将照片平面与三维雕塑完美结合的“除臭型”有关。

就这样,20世纪90年代初,韩国艺术界在全球化的国家政策和相应的社会氛围中,努力摆脱国际艺术舞台的“非西方”边缘。但如果没有必要的批评和制度措施将西方话语和艺术潮流转化为韩国自己的东西,韩国艺术的全球化战略仅仅注重海外交流的数量扩张,就会导致一次性事件,甚至重新确认国家之间的界限和差异。

  • 标题: Rainbow Stripes I
  • 创作者: PAIK Namjune
  • 创作日期: 1996
  • 创作地点: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 实际尺寸: 117×169cm
  • 权利: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 材质: Acrylic on panel and video

这是国际影像艺术家白南俊(1932-2006)的最新作品。他自己写下的“你看这个,白南准一定会回来的”这句话,足见艺术家坚强的意志。由各种颜色的简单矩形组成的背景在屏幕调制中看起来像电视屏幕。正如标题所示,白南准的灵感来自于展现韩国审美的多种颜色的条纹。白南俊开创了一种名为“影像艺术”的新艺术形式,它从音乐开始,用实验艺术构建了自己的世界。他的影像艺术关注东西方的文化特征、它们之间的互动以及对文化人类历史的兴趣。

12. 20世纪90年代后前进的观念立场


20世纪90年代可以说是韩国当代艺术的真正崛起,过去时代的意识形态冲突减弱,多元化和全球化开始。随着集体主义的衰落和社会物质更加丰富,个人的出现和对日常生活的兴趣日益增长成为这一时期艺术的重要特征。本节介绍了一些艺术家,他们是这一趋势的推动者,他们的作品展示了概念性的一面。

它们都很独特,这使得它们有些难以联系在一起,但它们也表现出一些共同的特征。他们的作品被认为是概念性的或概念性的,因为他们更强调过程、情境和语言在建立艺术作品概念时的作用,而不是结果。其结果是,艺术作品主要以普通的物体和情境为题材,颠倒物体的身份;深入研究对象与定义它的语言之间的关系;或者揭示动作和对象之间关系的隐藏层次结构。这些作品的目的是在我们对我们认为理所当然的日常情况以及艺术行为本身的看法上产生一些小裂缝。

  • 标题: An lron in the Form of a Radio, a kettle in the Form of an lron and a Radio in the Form of a Kettle
  • 创作者: KIM Beom
  • 创作日期: 2002
  • 创作地点: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 实际尺寸: 14×30×13, 23.5×13×13,13×22.5×19(판 39.5×57.5)
  • 权利: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 材质: Mixed media

金范(1963-)是20世纪90年代以来韩国观念艺术史上的重要作家。他向我们展示了“与事物秩序的常识相反,作品中存在着介于现实与非现实之间的东西。”
在收音机形式的铁器中,铁器形式的水壶和在《水壶形式的收音机》(2002)中,金范通过质疑与物体的真实关系,背叛了我们对事物的刻板印象。它还体现了通过展示人们意识所熟悉的无序事物来逃离现有事物秩序的运动。该作品于2005年在威尼斯双年展韩国馆展出,颠覆了参观者对熟悉物体的预测。它通过解构和重新排列事物的功能和形式之间的关系的过程,激发人们对事物的本质、外观和语言的新思考。

13. 20世纪90年代对现实的批判态度

20世纪90年代末,在西方资本主义文化的直接涌入和流行文化的扩张下,韩国社会正在经历急剧的变化,焦点从民政艺术讨论的政治问题转向了物质问题个人欲望和身份。这让我们审视身边的各种问题(女性、环境、性等),艺术也呈现出多种多样的面貌。在这种环境下,一些艺术家对具有社会批判性的艺术产生了兴趣,探索后民主艺术时代艺术与公共生活的关系;事实上, “后闽中艺术”一词的出现是因为人们认为这些趋势与闽中艺术具有某些共同特征。

  • 标题: Maehyang-ri
  • 创作者: SONG Sanghee
  • 创作日期: 2005
  • 创作地点: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 实际尺寸: 120×120cm
  • 权利: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 材质: Chromogenic color print

宋相熙(1970-)自1995年首次个展以来一直活跃,展示了表达女性主义观点的摄影作品。宋尚熙的作品关注外部事件,关注自我的内部和外部的横截面,而不是从女性的角度探索自我的内部。
《梅香里》(2005)也是一部探索主体与周围社会文化环境之间关系的作品。作为美军射击场而创建的名为“Mehyangri”的空间可以说是在韩国这个国家之外,作品中的人物是历史人物,但不是英雄人物。这样,宋尚熙从女性的角度,通过处理在族群框架内讨论的美军的存在以及由此产生的问题,将性和外部冲突形象化。但有些人质疑这个时代的社会批判艺术是否真的可以在任何特定的潮流下沿着与民主艺术相同的路线结合在一起。闽中艺术代表着抵抗和群众斗争,因为它关注并代表政治事件,而这一时期的艺术体现了一种更具自我反思性的品质,它在流行文化消费中描绘了当代生活的形象。

14. 2000 年代及以后

日常生活与流行文化

2000 年代涉及日常生活的艺术品将大量增加。艺术家没有关注特定的事件或个人,而是在日常生活的重复中找到了他们的主题。诚然,关注日常生活的艺术作品在过去是存在的。他们正在从抽象事物转向个人经验和日常生活的琐事。艺术家们也开始观察他们主要活跃的城市。过去艺术作品的主题是山脉、田野和河流等自然景观,而新的主题是城市的结构和道路,以及生活在其中的普通人。

  • 标题: Atomaus Eating Noodles
  • 创作者: LEE Dongi
  • 创作日期: 2003
  • 创作地点: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 实际尺寸: 130×160cm
  • 权利: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 材质: Acrylic on canvas

李东吉(Lee Dongi,生于 1967 年)因创作独特的阿托莫斯角色而闻名。 1993年,他将日本动画角色阿童木的头发和迪士尼角色米老鼠的脸结合起来,开发了原创角色Atomaus。
Lee希望Atomaus的身份继续被改变而不是被固定,所以他在1993年创造了Atomaus。各种情况。其中之一就是“吃面条”。他对亚洲文化中筷子的使用很感兴趣。与西方的刀叉等餐具不同,使用筷子需要训练。李认为筷子的使用是一种技术的隐喻。为了强调面条,李描绘了没有身体的阿托莫斯,并夸大了面条。

同时,2000年代也是流行文化和消费文化盛行的时期。随着音乐市场的增长、有线电视的出现、电影业的发展以及时尚潮流的到来,流行文化已成为韩国社会的一部分。艺术家的作品同样自然而然地发生了变化。事实上,韩国人每天都在接触电视、报纸、电影和杂志等大众媒体。大众媒体中出现的各种图像已经成为日常生活的一部分,艺术家开始借用或组合大量的图像来创造新的图像。

  • 标题: Deoksu Palace-Seoul
  • 创作者: IM Sangbin
  • 创作日期: 2009/2010
  • 创作地点: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 实际尺寸: 137×63.5×(2), 137×86.5cm
  • 权利: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 材质: Digital chromogenic color print

Im Sangbin(生于 1976 年)的作品从“城市”和居住在那里的“人”开始。他还关注城市中人与城市、自然与人工、过去与现在、东方与西方、现实与想象、欲望与克制的相遇、关系与碰撞。它们形成了分层的语义网络,彼此之间建立了非线性连接。
在描绘首尔城市景观之前,他拍摄了纽约曼哈顿的风景。在首尔,传统与现代共存,自然与人工和谐相处。传统华丽的宫殿背后是森林茂密的山脉,摩天大楼随处可见。 首尔相比,曼哈顿的历史较短,几乎没有任何古老的历史地标,而位于城市中心的中央公园也是近代人为建立的。
这件作品是从里面捕捉到的风景德寿宫。宫殿上高楼林立,但古色古香的宫殿却依然宁静。

林相彬的工作始于城市和居住在那里的人们。它关注其中发生的遭遇、关系和碰撞,包括自然与人工、过去与现在、东方与西方。德寿宫-首尔是以首尔为背景的作品。他在纽约曼哈顿拍摄了一个几乎没有古代遗迹的场景,然后创造了一个传统与现代共存、自然与人造的成熟首尔景观。

15. 2000 年代中期

跨学科艺术的发展与表现形式的拓宽

2000 年代中期,“跨学科艺术”成为韩国艺术活动的焦点。一般来说,跨学科艺术是指跨越艺术、舞蹈、戏剧、音乐和电影等流派界限的艺术作品。虽然它确实关注流派之间的融合和并置,但它不仅仅指流派混合。由于每种流派都提出了关于流派本身的基本问题,因此产生了仅通过该流派无法解决的问题,并且作为共享这些事物的自然结果而出现了一种独特的艺术作品形式。

  • 标题: Cinemagician
  • 创作者: JUNG Yeondoo
  • 创作日期: 2010
  • 创作地点: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 实际尺寸: 50min 31sec
  • 权利: MMCA (National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea)
  • 材质: Two-channel video, color, sound

郑妍斗(1969-)开始关注表演的即时效果、现场的紧张气氛以及观众的反应。所以他计划在观众面前进行一场反应很快的表演,但这就是电影魔术师。
没有舞台表演经验的郑延斗于2009年1月作为舞台艺术家参加了歌舞剧《怪物》并培养了舞台表演意识。之后,他与魔术师李恩杰协商,完成了《电影魔术师》的框架
2009年6月,他只邀请了几个熟人在大学路的一个小剧场演示《电影魔术师》,但出现了很多错误。 2009年8月,她在横滨美术馆首次表演《电影魔术师》。 2009年11月,他们在纽约亚洲协会剧院举行了第二次公演,2010年4月,他们在西江大学举行了第三次公演。博物馆保存的视是在西江大学拍摄的。

《十单镜头》由6个通道组成,每个通道都有一名舞者。安正柱(1979-)收集了战争电影高潮时的10声枪声,并要求六名舞者(三男三女)编排死亡时刻以配合这10声枪声。作者拍摄了一名舞者被10枪射死的场景。然后他一次重复拍摄同一个场景10次。使用拍摄第一个镜头的场景,使用拍摄第二个镜头两次的场景。就这样,他把其他镜头的10个镜头全部带了进来(不是最好的场景)。
如果剪辑视频中有10个镜头时舞者倒下,则视频将倒带,舞者将再次站起来。据报道,作者使用这种方法来复活在意识形态和权力斗争中牺牲的个人。

安正州制作了《十个单镜头》 ,描绘了人们对特定声音做出反应的动作。收集了战争电影中的 10 个不同镜头,并要求 6 名舞者带着即将在战争中死去的感觉来移动。每个舞者都在努力听到枪声时倒下,他们有时显得夸张和戏剧化。

经过日本占领、解放、朝鲜战争、民族分裂、四月十九革命、有信政权以及1988年首尔夏季奥运会,进入全球化时代,韩国艺术家表现出了不屈的艺术意识,努力升华将历史的考验转化为代表时代精神的作品

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